Espacio para obras y las ideas que las sostienen.

Jimmy

Me quiero, no me quiero

Sanar no es olvidar la herida, es permitir que ocupe otro lugar

JIMMYLIEBRE LI BRE

En la sombra el tiempo pasa más lento

En un tiempo donde la imagen ocurre sin pausa, estas piezas insisten en lo contrario.

Aquí, la fotografía analógica no es nostalgia: es una forma de detenerse.

Cada obra pertenece a una selección de artistas en el norte de México que trabajan desde el error, la espera y la materia. Imágenes que no buscan representar, sino permanecer. Que no se agotan en la mirada, sino que se extienden hacia el tacto, la memoria y el tiempo.

Coleccionar fotografía contemporánea hoy implica otra relación con la imagen: más íntima, más consciente. No se trata solo de adquirir una obra, sino de habitarla.

Esta colección reúne fotografía fine art en edición limitada, disponible para compra en México, pensada para quienes buscan construir una colección con sentido —desde el presente, pero con vocación de permanencia.

Cada pieza está acompañada de su certificado, su contexto y su rastro.

Porque hay imágenes que no se consumen.
Se quedan.

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Lluvia H. Argandoña

¿Todavía juegas con muñecas?

 

La exposición articula un cuerpo de obra que aborda el vínculo no como tema, sino como estructura operativa. A través de pintura y fotografía, Lluvia construye una serie de imágenes donde la repetición afectiva, la memoria relacional y los mecanismos de control se despliegan desde lo cotidiano hacia lo simbólico.

En pintura, el cuerpo aparece como superficie de inscripción. Las figuras no están en acción, sino en contención: gestos mínimos, tensiones localizadas, elementos que intervienen sin resolver —un hilo, una postura, una fragmentación. No hay narrativa explícita, pero sí una presión constante que sugiere la persistencia de una experiencia no procesada.

La fotografía, en contraste, desplaza esa carga hacia el espacio. Interiores, objetos y situaciones que operan como residuos afectivos más que como escenarios. Lo humano se vuelve implícito: ya no está representado, pero permanece en lo que dejó.

El título funciona como una pregunta que no remite a la infancia, sino a la continuidad de sus estructuras. La “muñeca” no aparece como objeto, sino como lógica: repetición, proyección, control, aprendizaje incorporado en el cuerpo.

Más que producir imágenes cerradas, la exposición sostiene un sistema de relaciones donde los elementos —caballos, casas, cuerpos, objetos domésticos— operan como unidades simbólicas recurrentes. Esta insistencia no es decorativa; construye coherencia interna y permite leer la obra como un campo en tensión, más que como una serie de piezas autónomas.

En ese sentido, el trabajo de Lluvia evita la ilustración emocional para operar desde la organización de la experiencia. No explica el vínculo: lo mantiene activo.

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Michelle Galavíz

Plegarias y Rituales

 

Esta serie nace de una experiencia límite:
la alteración de la mirada.

Cuando la luz dejó de ser algo garantizado, comenzó a volverse pregunta. Lo que antes era paisaje cotidiano se convirtió en presencia frágil. La magnificencia del cielo se redujo a la llama de una vela.

En Plegarias y Rituales, Michelle no pinta escenas religiosas. Pinta actos de intención.

Velas encendidas hasta consumirse.
Cocinar pensando en la abundancia de quien comerá.
Objetos atravesados por la luz.

Aquí la pintura funciona como meditación activa. Cada objeto es observado hasta perder su condición utilitaria y convertirse en símbolo. La vela ya no es vela: es concentración. La cocina ya no es espacio: es cuidado. La penumbra no es oscuridad: es tránsito.

Después de enfrentarse a la posibilidad de no ver, Michelle comenzó a pintar desde la memoria de la luz. No busca representar lo visible, sino lo que permanece cuando el ojo duda.

La serie propone una experiencia contemplativa:
ajustar la mirada, aceptar la penumbra, dejar que el ojo se acostumbre.

En un contexto donde todo exige productividad y velocidad, detenerse a observar se vuelve un gesto político. Ritualizar lo cotidiano es resistir la anestesia.

Estas obras en óleo —algunas de gran formato, otras más íntimas— construyen atmósferas donde lo divino y lo cotidiano se reflejan mutuamente. No hay grandilocuencia. Hay concentración.

La pregunta que atraviesa la serie no es estética, es existencial:

¿Cómo sostener la luz cuando amenaza con irse?

 

Para coleccionistas interesados en pintura contemporánea mexicana con carga conceptual real y proceso vivo, Plegarias y Rituales ofrece algo más que una imagen: ofrece un estado.

 

Obra original disponible.
LIEBRE LI BRE · Durango

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Job Ramírez

En "Lo que sucede y lo que viene" Job trabaja el dibujo como registro, proceso y lenguaje. Su práctica se desplaza entre lo pictórico y lo gráfico, construyendo imágenes que funcionan como archivos emocionales del día a día. Su obra parte de lo íntimo para expandirse hacia lo colectivo, proponiendo una lectura sensible del entorno contemporáneo mexicano.

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Mauricio Herrera

Habitáculos es una exposición de objeto donde el espacio se vuelve íntimo en escala mínima. Mau Herrera Munive, arquitecto y artista visual originario de Durango, trabaja desde una obsesión clara: comprender el tiempo, la materia y su relación con la experiencia humana.

En esta serie, la maqueta deja de ser un paso previo y se afirma como pieza autónoma: un territorio donde la idea se ensaya, se depura y respira.

Cada muro, cada vacío y cada fragmento funciona como un gesto ritual entre lo útil y lo simbólico, entre la forma y la contemplación.

La materia aquí no adorna: habla. Yeso, piedra y madera sostienen un equilibrio delicado entre fragilidad y permanencia, entre lo que permanece y lo que se transforma.

En LIEBRE LI BRE, estos habitáculos se presentan como pequeñas arquitecturas emocionales: objetos precisos, silenciosos y firmes, pensados para coleccionarse como quien conserva un espacio posible.

  • Tokonoma

    Tokonoma

    Tokonoma

    $ 1,600.00 MXN
    $ 1,600.00 MXN
  • Landscape (2)

    Landscape (2)

    Agotado

    Landscape (2)

    $ 1,000.00 MXN
    $ 1,000.00 MXN
    Agotado
  • Sin título

    Sin título

    Agotado

    Sin título

    $ 6,500.00 MXN
    $ 6,500.00 MXN
    Agotado
  • Landscape | AXO

    Landscape | AXO

    Agotado

    Landscape | AXO

    $ 2,200.00 MXN
    $ 2,200.00 MXN
    Agotado
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Casa de Cartón

Casa de Cartón de Fernando Sánchez es un acto de construcción poética de su propio entorno, nacido de la necesidad urgente de encontrarse a sí mismo dentro de espacios que, aunque familiares, de pronto se sienten profundamente ajenos. Con el apoyo del registro fotográfico de su barrio, su pintura no busca denunciar nada: busca nombrarse, reconocerse, habitarse. Es un ejercicio de identidad donde la memoria espacial se transforma en refugio.

La infancia de Fer transcurrió bajo la tranquilidad de la protección familiar, en una topografía de barrios populares, terracerías, escombros y mobiliario desgastado. Un paisaje duro y cotidiano que él entendía como normal. Pero fue el choque con otra realidad —detonado por un viaje a Puerto Vallarta— lo que instaló en él esa sensación de extrañeza, ese quiebre íntimo frente a los entornos en los que ha crecido.

Esa distancia emocional no lo paraliza: se vuelve el motor de su proceso creativo.
Ahí es donde el arte deja de ser objeto y se convierte en puente. Un puente simbólico que une nuestra experiencia humana con la del otro. Si Fernando se siente ajeno a su espacio físico, su encuentro con lo sensible ocurre en la pintura, no en la obra terminada, sino en el momento exacto de la creación. Ahí construye su propio lugar seguro.

Por eso, la obra de este joven pintor no pretende registrar carencias ni funcionar como denuncia. Aunque sus lienzos parten del archivo fotográfico de su colonia, Fernando nos muestra espacios bellos, vibrantes, incluso fantásticos, que no buscan maquillar una realidad, sino reinterpretarla desde otro ángulo. Su gesto creativo es casi infantil —y entrañable—: como un niño que quiere compartir los juguetes que logró construir desde su imaginación.

En Casa de Cartón no vemos el barrio tal cual es: vemos el barrio tal como Fernando lo siente. Y ahí ocurre la magia. Ahí ocurre el arte. Ahí ocurre la transformación.

Explora esta exposición en LIEBRE LI BRE, donde el arte contemporáneo mexicano encuentra nuevas formas de contarse, sentirse y quedarse contigo.

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Sergio Montiel

Sergio Montiel construye pintura como si levantara arquitectura. Combina lo plástico y lo estructural en piezas que cruzan pintura, mosaico y vitral. Su obra no nace de la emoción inmediata, sino de la técnica, la repetición y la permanencia.

En sus manos, el mosaico contemporáneo se convierte en algo más que fragmentos unidos: es resistencia frente a lo efímero. El vitral, aprendido primero como oficio, hoy se transforma en exploración formal. La pintura funciona como partitura: cada trazo, cada plano, es ritmo y armonía.

Montiel encuentra inspiración en la música clásica y en los discos ochenteros, trabajando la superficie como si fuera una composición sonora. Literatura, arquitectura y música se mezclan en un mismo lenguaje: sobrio, sólido, pensado para la contemplación.

En un panorama saturado de discursos románticos, Sergio Montiel apuesta por lo contrario: claridad, técnica, permanencia. Sus piezas no buscan conmover de inmediato, sino abrir un espacio de contemplación y unidad.

Arte y arquitectura se encuentran en su trabajo.
El resultado: mosaicos, vitrales y pinturas que no solo se miran. Se habitan.

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MUROS DE CONTENCIÓN –Genaro Moreno

Curador en LIEBRE LI BRE

Gen comenzó hilando silencios y memoria en sus obras textiles, pero ahora también teje la narrativa de LIEBRE LI BRE como curador de la galería. Su mirada va más allá del hilo y la tela: construye puentes entre artistas, obras y comunidad, manteniendo la misma honestidad y fuerza que define su arte.

Como curador de LIEBRE LI BRE, Genaro transforma la galería en un lienzo vivo donde cada exposición es una nueva conversación. Su experiencia como artista textil le permite entender las obras desde adentro, y su rol como curador le da voz a aquellos que, como él, buscan romper moldes. En sus manos, la galería se convierte en un espacio donde lo íntimo y lo colectivo se entrelazan, invitándonos a habitar el arte de manera auténtica.

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